miércoles, 15 de marzo de 2017

Reseña: Robin Año Uno (Chuck Dixon y Scott Beatty)


Vuelven los “Año Uno” a DC, un formato que ya se ha convertido en todo un clásico o como se suele decir “marca de la casa”, y que ha involucrado a todo tipo de personajes como Superman o Batgirl, pero que inevitablemente nos lleva a recordar aquél maravilloso Batman Año Uno, de los maestros Frank Miller y David Mazzuchelli. Pues bien, hoy le toca el turno a uno de sus pupilos, Dick Grayson, posiblemente el Robin más importante que ha habido, o por los menos el más trascendente, gustos a parte. Os contamos que nos ha parecido esta historia que narra los inicios del personaje y la creación de todo un héroe.

Ya sabemos todos que Dick Grayson perteneció a un circo, donde se crió, y que sus padres fueron asesinados. Desde este momento, Bruce Wayne decidió ejercer de mentor y convertirlo en su pupilo. Y precisamente esto es lo que nos comienzan a contar los autores, pero usando un recurso muy interesante para llevarlo a cabo, como es utilizar la figura de Alfred como la voz en off de esta historia, lo cual resulta de los más curioso ya que el mayordomo más famoso de los cómics no es un autómata sin sentimientos, si no que tiene sus propias ideas y opiniones al respecto de Robin, Batman, y las intenciones de ambos, y estas no siempre serán del agrado de todos. Pero olvidaos de la oscuridad que habíamos visto en el Año Uno de Batman, porque este cómic es totalmente diferente, al igual que la personalidad de ambos héroes. Podríamos decir que Robin es el lado luminoso de Batman, de algún modo.

En cuanto a los villanos, tenemos todo un baile de rostros conocidos como Mr. Frío o El Sombrero Loco, aunque el “final boss”, que solemos decir en el mundillo gamer, será Harvey Dent, es decir, Dos Caras, que buscará vengarse de Batman a través del sufrimiento del joven Grayson, hasta el punto de que el propio Batman se cuestionará la moralidad de tener un pupilo y los riesgos que esto supone. Ya sabéis, muchas veces el hecho de ser un héroe supone más riesgo para los que te rodean que para uno mismo.

En los dibujos tenemos a dos fenómenos españoles como son en mayor medida Javier Pulido, y Marcos Martín, que funde su arte a la perfección con el trabajo de Pulido, el cual es un experto en transmitirnos el frenetismo de la acción y velocidad de los movimientos sin dejar de lado las emociones.

No nos queremos despedir sin indicar que este tomo además incluye el Batgirl/Robin Año Uno.

ECC nos brinda de nuevo una reedición de superlujo, con material extra, en formato Cartoné de 208 páginas a color, y que podéis adquirir por 20’50€ en este enlace: https://www.ecccomics.com/comic/robin-ano-uno-2982.aspx

lunes, 13 de marzo de 2017

¿La peor generación de la historia? Claro que sí, guapi.

Vivimos en una época en la que por suerte cualquiera puede expresar su opinión sin censura alguna, pero que además esta ya no queda olvidada en una libreta perdida en el fondo del cajón, si no que lo más probable es que llegue a bastante gente gracias a medios como YouTube, las Redes Sociales, y en menor medida (por desgracia) los podcast. Esto ha generado todo un aluvión de frustrados que se esconden tras su teclado para regurgitar lo primero que se les pasa por la cabeza criticando sin piedad el trabajo de otros, profetas convertidos a youtuber capaces de lo peor con tal de captar nuevos suscriptores, prensa “especializada” en la que abundan más noticias clickbait con titulares bochornosos que buenos y coherentes análisis, periodistas del medio que se las dan de estrellas y se creen en posesión de la verdad absoluta, y por supuesto toda una legión de haters y talifanes como nunca habíamos visto antes en la industria, que se posicionan en uno u otro bando, y se preocupan más en desprestigiar al rival que en ensalzar las virtudes propias. Gracias a todo esto y mucho más, en lo que tampoco me interesa extenderme, se han popularizado lamentables términos como: peasants, niño rata o pipero, por ejemplo, y son estos los que se empeñan en decir que esta es la peor generación de consolas (y videojuegos) de la historia. Pues permitidme que os diga lo que reza el titular de este artículo de opinión, “Claro que sí, guapi”.

En la supuesta peor generación de la historia estamos disfrutado no sólo de grandísimos títulos, si no que además algunos de ellos ya se catalogan como los mejores juegos de la historia, o de su saga. Empecemos por The Witcher 3, considerado por todo el mundo como uno de los mejores RPGs de esta y cualquier generación. Uncharted 4, broche de oro para la exitosa franquicia que nació en la anterior generación y que tantas alegrías nos dio, para mí, el mejor de los cuatro (o cinco contando el de PS Vita). Bloodborne, vuelta de tuerca a la franquicia Souls con una ambientación diferente y una dirección artística sin precedentes, y sin ir más lejos Dark Souls 3, cierre perfecto para una trilogía mítica. The Last Guardian ha supuesto una promesa cumplida, y un titulazo irrepetible. También hay para los que prefieren los shooters con enormes títulos como Battlefield 1, Titanfall 2, Doom, Wolfenstein The New Order… Pero no sólo Bethesda está en estado de gracia, Ubisoft parece empeñada en no parar de darnos alegrías creando franquicias nuevas como For Honor, y sacando auténticos juegazos como la secuela Watch Dogs 2 y el reciente Ghost Recon Wildlands. También tenemos el renacer (o redención) de Capcom con el genial Resident Evil 7 y un nuevo Marvel vs Capcom en camino, y hablando de grandes compañías, por qué no hacer una mención a Warner con Batman Arkham Knight y Sombras de Mordor, pese a ser de desarrolladores distintos. Por cierto, qué ganas de Sombras de Guerra.

Por si esto fuera poco, hemos empezado un 2017 brutal, sin precedentes en cuanto a calidad y cantidad con la vuelta de Sony a la esencia japonesa gracias a juegos como Gravity Rush 2, Yakuza 0, Nioh, NieR Automata, y el inminente Persona 5. Juegos que seguro que no son los más vendidos del catálogo, pero que le dan entidad propia y calidad a la marca, algo de las que otras carecen, y no miro a nadie pese a que todos saben de quién hablo.

En lo personal, actualmente estoy disfrutando del ya mencionado Ghost Recon Wildlans con amigos, y paralelamente de Horizon Zero Dawn, del cual ya opinaré largo y tendido en el podcast porque me está pareciendo una auténtica delicia. Los que me sigáis por las RRSS ya sabréis lo que opino, pero aprovechando el artículo lo comento por aquí también. A parte del más que evidente portento gráfico, es impresionante como han conseguido que en un juego tan enorme no haya ni una sola misión mala o que de pereza hacer, asombroso. A todo esto no sé si os sonará un tal The Legend of Zelda: Breath of the Wild, que aunque no lo he podido probar todavía, parece ser que es el Ben-Hur de los videojuegos, también de esta generación tan mala. Y mucho ojito con lo que todavía está por llegar… Mass Effect Andromeda, Super Mario Odissey, God of War, Red Dead Redemption 2, The Last of Us: Part II, Final Fantasy VII Remake, Shenmue III, Days Gone, Death Stranding, etc, etc, etc.

En fin, que si, que hay cosas malas, que el online de pago es una mierda, los DLCs son el demonio, los parches de lanzamiento el SIDA del siglo XXI, los pases de temporada un timo, los teraflops los carga el diablo, los refritos (que a muchos nos han venido de perlas) huelen mal, y la nostalgia tira mucho, sobre todo cuando se podía piratear, ¿verdad?, qué barato era… Pero señores, disfruten por favor, que estamos viviendo una época que ya veremos si se repite, que no paran de salir juegazos, se nos acumulan, es imposible jugar a todo, y ojalá esto siga así muchos años.

sábado, 17 de diciembre de 2016

Reseña: Stardust, de Neil Gaiman y Charles Vess


Por fin nos toca hablar de una obra del maestro Gaiman (Sandman), acompañado del arte de Charles Vess. Hablamos del cómic Stardust, aunque algunos lo conoceréis por la película de Matthew Vaughn (Kingsman) y/o la novela. Por lo tanto, la primera pregunta que os haréis será, ¿Vale la pena leer el cómic si ya has visto la película o leído el libro? Definitivamente si, estamos ante uno de los mejores trabajos del inglés en todos los sentido, un cómic que tiene casi 25 años y se disfruta tanto como cuando fue concebido.

Originalmente Stardust fue concebido por ambos autores como un libro de cuentos ilustrado, y de algún modo lo sigue siendo. Neil Gaiman crea un mundo exquisito en el Reino de Faerie, el cual se encuentra al otro lado de un muro que lo separa de la "realidad", y que da nombre a la ciudad en la que se desarrolla este cuento, Muro, donde los seres de carne y hueso se mezclan con los seres mágicos una vez cada 9 años en torno a un mercado. Esta idea de dos mundos separados pero unidos a la vez, la hemos visto no pocas veces, pero sigue funcionando.

Esta es sin duda una increíble historia, ambientada en la época victoriana, donde el ritmo de vida es tranquilo, pausado y oscuro, donde se mezcla la magia y una historia de amor en la que el joven Tristan Thorn se embarcará en un viaje para conseguir el amor de Victoria, su amada, pero no será el único que se embarque en esta búsqueda ,ya que una bruja y cuatro príncipes irán tras la estrella caída, que una buena noche Tristan observa en plena lluvia de estrellas (Stardust) y es aquí cuando le promete a su amada conseguir la estrella caída para lograr ser amado por ella. A partir de aquí iremos conociendo seres de toda índole como piratas, brujas y muchos más personajes que nos resultarán familiares y con los que seguro que empatizaremos gracias a la maestría de los dibujos de Charles Vess, que son magníficos, hasta el punto de dar la sensación der el único capaz de haber transmitido las ideas de Gaiman.

Fue publicado por primera vez en 1997 por Vertigo como una miniserie de cuatro números, y ahora ECC nos trae una maravillosa edición en cartoné, de 224 págs, a todo color, y al módico precio de 22€, que podéis conseguir en el siguiente enlace: https://www.ecccomics.com/comic/stardust-2837.aspx

jueves, 8 de diciembre de 2016

Reseña: Ayako (Osamu Tezuka)


Hoy no solo nos vamos a tratar un excelente cómic, si no que estamos ante una clase magistral de historia. El maestro Tezuka usa su lápiz para dibujarnos la cruel realidad a la que se enfrentaba el Japón de postguerra. Una orgullosa nación doblegada ante los demonios orientales, que desde las oficinas de la embajada americana, dictaba con mano férrea los pasos que debían dar los dirigentes del gobierno. Hechos como los asesinatos de líderes sindicales o incluso la desaparición del presidente de los JNR están presentes en esta gran obra, hilados asombrosamente con el complejo argumento que el gran Osamu va tejiendo a cada página de la novela.

El regreso de Jiro Tengue después de pasar los últimos años en un campo de prisioneros americano y el choque que este tiene ante los nuevos, y extraños, acontecimientos que tienen lugar en el seno de su propia familia son el punto de partida de esta gran obra de casi 1000 páginas divididas en 2 dos tomos y que abarca 20 en la historia de nuestros protagonistas. En este primer volumen veremos los entresijos de la familia Tengue, un clan con más de 400 años de antigüedad, que antaño domino grandes campos de arroz y que ahora en este Japón de postguerra esta en decadencia, despojado de la mayoría de sus tierras y sin el poder que antes ostento.

El autor va entrelazando las diferentes tramas que se presentan entre los integrantes de esta familia, lo hace con calma y con cuidado pues son los cimientos del que será el eje central del libro. Y es que tarda casi 300 paginas en ponernos en primer plano a Ayako, la menor de los Tengue, fruto del una relación prohibida. Una niña que debido a una serie de circunstancias será encerrada en un frío sótano de un almacén y permanecerá aislada del mundo durante la mayoría de su infancia y su adolescencia. Veremos cómo se convertirá en una hermosa mujer que no conoce la maldad y cuya personalidad se forjara ajena a las reglas morales y sociales del “mundo exterior”. Y de cómo se enfrentara al mundo exterior una vez encuentre la libertad al final de este volumen.

Para dar forma a este argumento Tezuka hace lo que mejor sabe hacer, perfilar personajes muy humanos, llenos de luces y sombras. Cada integrante de esta obra está lleno de aristas con las que vernos representados. Las decisiones que van tomando y los errores que irán cometiendo serán los que nos harán comprender el conflicto que se encierra dentro de cada uno de ellos y darnos cuenta que todos ellos son víctimas de sus propias debilidades. Todo ello narrado con la habitual atención al detalle a la que este monstruo nos tiene acostumbrados dejando claro que es un gran conocedor de la psique humana.

De su trazo y narrativa no es necesario hablar. El maestro se muestra continuista en este aspecto, es decir, raya la perfección durante toda la obra. Dibujos de trazos limpios, serenos transmitirán la calma y cotidianidad del Japón rural y que unidos a su habitual buen hacer en la composición de las páginas marcan el ritmo sosegado que tiene la obra. Esto no tiene por que espantar a los lectores pues, aunque es cierto que el cómic tiene un ritmo algo lento, Osamu sabe como mantenernos enganchados a la lectura gracias a la gran potencia de sus personajes y tramas.

Planeta Comic nos ofrece este gran manga que podéis adquirir aquí mismo: http://www.planetadelibros.com/libro-ayako-n-0102/209197

lunes, 28 de noviembre de 2016

Reseña: Bárbara (Osamu Tezuka)


Yosuke Mikura es un joven novelista que comienza a asomarse en las listas de éxitos de ventas. Apuesto, orgulloso, inteligente y con algún que otro problema psicológico, ¿y quién no tiene alguno?, pasa su vida entre fiestas y fans autocomplacientes. Adorado y envidiado a partes iguales el escritor vive para y por el arte. Un día paseando por el metro conoce a Bárbara, una joven vagabunda y alcohólica, a la que sin saber porque, acoge en su casa.

La presencia de Bárbara pone patas arriba la vida del joven Mikura llenándola de caos y problemas pero en cambio cuando está con ella el joven es presa de la creatividad y no puede dejar de escribir la que será la obra de su vida. Mientras Yosuke va descubriendo poco a poco el misterioso origen de la joven, la línea que separa la realidad y la ficción que el mismo escribe cada vez se va volviendo más difusa, llegando a dudar incluso de su propia cordura.

Osamu Tezuka, el Dios del manga, nos cuenta una historia sobre la creatividad, los artistas y sus excéntricas vidas. Un viaje en busca de las raíces mágicas de donde nace la inspiración en donde el autor se atreve con temas tabúes en su época, no olvidemos que es una obra de 1973, como el sadomasoquismo, la zoofilia o el mundo de la magia y la brujería. Una mirada irónica al mundo del arte y de la sociedad que lo rodea, que lo adula, donde todos los personajes siempre tienen una cita literaria para cualquier situación. Todo ello además cargado de un gran erotismo y sensualidad en la que sin duda es la obra más adulta del autor que da un volantazo a su carrera alejándose del estilo infantil que predominaba en su obra.

Tezuka narra su historia con un ritmo pausado pero constante, sin altibajos que puedan hacer que el lector se sienta tentado a abandonar la lectura y gracias a la dosificación de la trama y al acierto con las que el maestro sabe intercalar los momentos más serios y trascendentes con otros más cómicos. La composición de las páginas es digna de enseñarse en las escuelas de arte. La narrativa visual de la que hace gala solo está a la altura de unos pocos, la manera de distribuir las viñetas para generar en el lector las emociones del protagonista o aumentar la tensión de un momento determinado es soberbia. Gracias a todo esto la novela nos atrapa haciendo que la lectura de sus 430 páginas se haga de una sentada. El trazo de su dibujo es claro y limpio, no es recargado y no se pierde en alardes que nos puedan distraer de la historia principal. Incluso los actores principales de la obra parecen en ocasiones meras caricaturas y el mundo que los rodea está dibujado solamente con un par de pincelas, lo necesario para ponernos en situación, todo al servicio de lo que el guión nos quiere contar.

El gran Osamu Tekuza volvió a demostrar por qué sigue ostentado el título de “Dios del manga” construyendo una obra totalmente atemporal que no solo ha envejecido de maravilla si no, salvando las distancias, sigue estando totalmente vigente casi 50 después de que se publicara en Japón por primera vez. ECC nos trae todo un clásico, un “Must have” que no debemos dejar de escapar y que podéis obtener aquí https://www.ecccomics.com/comic/barbara-2796.aspx

miércoles, 23 de noviembre de 2016

Reseña: Parasyte (Hitoshi Iwaaki), Tomo 1 de 8


Parasyte es uno de esos mangas que no busca plantear al lector un mero entretenimiento girando en torno a una trama de terror y ciencia ficción, sino que plantea además un compendio de relaciones sociales, de amistad y familiares que suponen el auténtico sustento de esta historia firmada por Hitoshi Iwaaki y editada ahora en rústica por Planeta Cómic en 8 tomos.

El primero de ellos presenta ya desde su inicio a los principales protagonistas de esta historia: unos parásitos de origen desconocido que se introducen en los cuerpos de los ciudadanos para comerse su cerebro y controlar su cuerpo, moldeando a voluntad su aspecto y convirtiéndose en auténticas máquinas de matar para canibalizar a otras personas. Aunque poco se puede hacer ante estos invasores de cuerpos tan silenciosos, un adolescente llamado Shinichi consigue evitar el intento de uno de estos parásitos de introducirse en su cabeza aunque no puede evitar que acabe introduciéndose en su mano.

A partir de este momento comenzará entre Shinichi y Miggy (como es bautizado su parásito) una relación simbionte que llevará al primero a entender los motivos y finalidades de su huésped, mientras que el segundo hará todo lo posible por mantener con vida a su anfitrión y protegerlo de otros parásitos con los que se encuentre.

Y es que Parasyte introduce con acierto secuencias de acción al producirse encuentros entre Shinichi y otras personas poseídas, donde la sangre y los desmembramientos tienen más que asegurada su cuota de viñeta a lo largo de todo el primer tomo. Pero como ya decimos, la relación con Miggy, con “esa chica especial” del instituto o con sus padres, también darán pie al humor con situaciones hilarantes en las que Miggy actuará para tratar de ayudar a Shinichi y de paso aprender más sobre el ser humano.

A lo largo de todo el tomo se introducirán nuevos interrogantes acerca del motivo de que hayan aparecido estos parásitos que no parecen tener otra misión que la de acabar con la especie humana.

El dibujo no tiene el detalle de los mangas actuales, algo lógico al ser publicado en 1988 por primera vez en la revista Afternoon, pero por el contrario el viñetado es limpio y no se pierde en excesos, lo que ayuda a que el lector no se desenganche en ninguna de las 276 páginas que además posee un nutrido número de ellas entintadas a color. Si os gusta el terror y la ciencia-ficción no podéis dejar pasar esta edición de Planeta Cómic que por 9,95 euros podréis conseguir a través del siguiente enlace: http://www.planetadelibros.com/libro-parasyte-n-0108/214161

martes, 11 de octubre de 2016

Reseña: Philémon Integral 1, de Fred


Os traemos el primer integral editado por ECC de Philémon, de Fred, una obra casi desconocida/inédita en España pero que ha tenido una influencia capital en el cómic europeo, más concretamente en la BD francesa y belga.

Fred, perteneciente a esa generación irrepetible de autores franceses como son Moebius, Pierre Christin o Druillet, con lo que eso significa, se sacó de la chistera de mago una historia sobre un chico llamado Philémon, que acompañado en su día a día por su asno Anatole en la campiña francesa, descubre la existencia de un mundo mágico paralelo. Cada historia que nos trae es una fábula, con sus críticas a la sociedad en cada una de ellas, marcando ciertos estereotipos en su familia por ejemplo. En los primeros capítulos que nos trae este primer integral, nos trae historias que beben mucho de grandes clásicos de la literatura infantil como son El Principito, Alicia en el País de las Maravillas o Los viajes de Gulliver, pero más adelante descubre que cada una de las letras de 'océano Atlántico' es una isla, así que se lanza a la aventura mezclando fantasía, surrealismo, humor y por supuesto magia, pero con un toque de crítica mordaz a la sociedad. 

Es cierto que el dibujo es bastante tosco, por decirlo de alguna manera, pero eso no impide que la lectura de las aventuras de Philémon sea extraordinariamente ágil, para toda la familia, donde cada uno, dependiendo de su bagaje vital, le encontrará un sentido u otro a esta maravillosa obra que por desgracia ha sido desconocida para la mayoría hasta ahora.

En conclusión, una obra maestra del cómic que nos mezcla varios estilos, pero ante todo nos presenta una lectura muy rápida, con un humor muy inteligente y mordaz, y para toda la familia. Y de verdad, un aplauso para ECC por traernos esta maravillosa obra antológica, como ya hemos dicho, casi inédita en nuestro país.

ECC se marca una genial edición en cartoné de 304 páginas por 35 €, siendo barato por la tremenda calidad que atesora este tomo, y que podéis adquirir aquí:
https://www.ecccomics.com/comic/philemon-integral-01-de-3-2448.aspx